Romeo und Julia

Reden und Blickkontakt mit dem Publikum gehören zusammen. In diesem Kurzbeitrag lesen Sie, für welche Ausnahme das nicht gilt.

Der Blickkontakt mit dem Publikum signalisiert Präsenz. Redner, die keinen Blickkontakt halten, sind keine Redner auch wenn sie auf der Bühne reden.

Solche Aussagen klingen markig und auf den ersten Blick scheint da etwas dran zu sein. Doch das heißt natürlich nicht, dass es nicht Momente gäbe, in denen es falsch wäre, Blickkontakt mit dem Publikum zu halten.

Wie das? Stellen Sie sich vor, sie sitzen mit der Liebe Ihres Lebens in einem schönen Restaurant. Sie führen tiefgründige Gespräche und aus keinem speziellen Grund sagen Sie „Ich liebe Dich!“ So weit so schön. Nehmen wir an, dass kurz vorher der weltbekannte Regisseur Steven Spielberg just dieses Restaurant betritt. Während Sie also Ihre Liebeserklärung aussprechen, folgen Ihre Augen der Hollywood-Legende. Wie wird das wohl bei Ihrer großen Liebe ankommen?

Sehr wahrscheinlich werde die Worte ihre Wirkung verfehlen. Denn dieser Satz ist so intim, dass die Augen die Intimität auch aufrechterhalten müssen.

Das ist natürlich kein Geheimnis. Niemand wird im realen Leben so unsensibel sein. Außer natürlich Redner, die noch immer glauben, dass die Augen den Kontakt mit dem Publikum niemals unterbrechen sollten.

In dem Dialog einer Geschichte, schauen wir natürlich den imaginären Gesprächspartner an. Alles andere wirkt unglaubwürdig. In dem Fall gibt es also keinen Blickkontakt mit den Zuschauern. Die vermissen das auch nicht. Schließlich führen Sie ja einen spannenden Dialog auf der Bühne vor.

Allerdings gibt es auch eine Ausnahme von der Ausnahme. Angenommen Ihr Dialog kommt an eine problematische Stelle. Ihr Alter Ego weiß nicht, wie es antworten soll. Dann können Sie das Publikum natürlich in laut geäußerte Denkprozesse einschließen. Nach dem Motto: „Was würden Sie antworten?“ Danach wenden Sie sich  wieder Ihrem imaginären Gesprächspartner zu und setzen den Dialog fort. Eigentlich ist das keine Ausnahme. Denn für diesen kurzen Moment lassen Sie den Dialog pausieren. Ähnliches passiert, wenn Sie dem Publikum eine Hintergrundinformation geben, damit es dem Gespräch besser folgen kann.

Regeln sind gut. Allerdings dürfen Sie auch Ihrer Kompetenz vertrauen, wenn Sie auf der Bühne stehen und dafür sorgen, dass Ihre Inhalte authentisch sind.

Trojanisches Pferd

Geschichten bestehen immer aus einer Mischung aus Kontext- und Erfahrungsperspektive. Lesen Sie in diesem Kurzbeitrag, wann Sie am besten welche Perspektive nutzen.

„Am Montag war ich im Budget-Meeting. Die Leute dort sind einfach unerträglich. Genauso war das Meeting! Stellen Sie sich vor, die vom Lager haben doch einfach das Budget vom letzten Jahr per Copy & Paste für das aktuelle Jahr vorgelegt! Natürlich habe ich den Müller vom Lager schön zusammengefaltet. Bei solchen Mitarbeitern brauchst Du keine Konkurrenz mehr!“

Diese Geschichte klingt wie aus dem wahren Leben gegriffen. Trotz der saloppen Sprache, wird sie uns aber nicht sonderlich berühren. Warum? Der Erzähler schildert uns, relativ abstrakt, was im Meeting passiert ist, aber nicht wie es passiert ist. Wir können es uns zwar vorstellen. Aber etwas Entscheidendes fehlt. Die Erfahrungsperspektive. Wir bekommen zwar Informationen, aber die Erfahrung selbst und das Gefühl fehlen.

Stellen wir uns vor, der Erzähler ergänzt seine Geschichte um diesen Teil:

„Ich sitze also im Meeting. Meine Zahlen sind gerade von allen abgenickt worden. Da steht der Müller vom Lager auf. Irgendwie schwant mir schon etwas. Denn der Mann stinkt förmlich vor Angst. Die Stirn schweißnass. Ich denke mir so, ’na hoffentlich muss ich bei dem keine Erste Hilfe leisten.‘ Und dann kommt’s. ‚Ich … ich habe mir überlegt, dass sich in meinem Bereich nicht so viel ändert. Also, das ist das gleiche Budget, wie im letzten Jahr.‘

Was für ein Waschlappen! Management by Copy & Paste, aber dann auch noch alle mit der Nase darauf stoßen! Faul kann man ja sein, aber dann auch noch dumm? Ich lehne mich also genüsslich zurück und atme einmal laut aus. Plötzlich ist es ganz still. In dem Moment hättest Du eine Nadel fallen hören, aber das Herz vom Müller rutschte etwas lauter in die Buxse …“

Der Erzähler ist in diesem Fall nicht sympathischer als zuvor. Aber die Geschichte nimmt uns direkt mit in den Meetingraum und wir erleben alles so, als wären wir direkt dabei. Das ist die Erfahrungsperspektive.

Während die Kontextperspektive die Zeit staucht, spreizt die Erfahrungsperspektive sie. Was als Erlebnis vielleicht nur Sekunden gedauert hat, kann sich in der Erzählung über Minuten hinziehen. Daher werden wir schon aus technischen Gründen die Erfahrungsperspektive nur sehr sparsam einsetzen.

Auch wenn wir alle Zeit der Welt für unsere Geschichte hätten, wäre es nicht wirklich sinnvoll, erlebten unsere Zuschauer jeden einzelnen Moment unser Geschichte in der Erfahrung. Übertreiben wir es, stumpft das Publikum ab und die Erfahrungsperspektive verliert ihre Wirkung.

Wir nutzen die Erfahrungsperspektive daher ausschließlich in den Szenen, in denen es wirklich darauf ankommt.

Immer dann, wenn unser Publikum Mitgefühl für den Helden aufbringen soll, ist die Erfahrungsperspektive genau richtig. Denn ohne Erfahrung und Gefühl kann es logischerweise kein Mitgefühl geben.

Bei der „Man in the Hole“ Dramaturgie von Kurt Vonnegut wären beispielsweise die richtigen Momente für die Erfahrungsperspektive die Krise und der Abgrund.

Vielen Erzählern wird es anfänglich schwer fallen, ihr Publikum in die Erfahrung zu führen. Denn abstraktes Denken und Erzählen gilt in unserer Gesellschaft als intelligent. Nur leider ist es so antiseptisch wie ein Hygienetuch. Erfahrungen dagegen sind ansteckend.

Fällt Ihnen die Erfahrungsperspektive noch schwer, dann trainieren Sie sie solange, bis sie ganz natürlich in sie hineinwechseln. Lassen Sie sich von niemandem einreden, es sei eine Talentsache. Es ist eine reine Übungssache.

Don Quichote

Die Frage, ob wir unsere Geschichte so erzählen, wie sie passiert ist oder ob wir sie neu inszenieren, stellen sich Redner immer wieder. In diesem Kurzbeitrag lesen Sie, was für eine Inszenierung spricht.

Vom Erlebnis bis zu einer erzählten Geschichte ist es oft nicht weit. Das glauben zumindest viele. Aber Erlebnisse bereichern unsere Erfahrungen.  Geschichten dagegen dienen dem Publikum.

Dem stimmen auch die Apologeten der sich möglichst am Originalerlebnis orientierenden Geschichten zu. Daher wird auch niemand protestieren, die Zeitachse zu verkürzen und Erlebnisse, die sich teilweise über Tage hingezogen haben, in wenigen Minuten zusammenzufassen.

Doch das ist keine Inszenierung. Inszenierung bedeutet, einen Spannungsbogen aufzubauen. Szenen möglicherweise drastischer zu schildern, als sie sich tatsächlich zugetragen haben und die Fakten der Geschichte und ihre Kausalität der Inszenierung unterzuordnen.

In der Praxis fällt das dem einen oder anderen schwer. Zum Beispiel hat der Erzähler als der Held seines eigenen Erlebnisses vielleicht die Lösung einer schwierigen Situation ganz allein gefunden. Aber die Inszenierung verlangt die Hilfestellung eines irgendwie gearteten Mentors.

Dieser Kunstgriff, der den Helden für das Publikum menschlicher macht und gleichzeitig die Botschaft leichter vermittelbar, setzt eine Bescheidenheit voraus, die nicht jeder aufbringen möchte. Schließlich ist der Erzähler ja auch stolz auf die eigene Schläue.

Das Publikum erwartet allerdings eine gute Inszenierung. Es möchte sich nicht langweilen müssen, nur weil der Redner jedes kleine Detail seines Erlebnisses auch in die Geschichte einbaut. Noch weniger schätzt es das Bravado eines Helden, mit dem sich keiner identifizieren kann oder möchte.

Geschichten sollen spannend sein. Andernfalls will sie keiner hören.

Diese Spannung mag der Redner auch in seinen Erlebnissen empfunden haben. Viel wahrscheinlicher ist es allerdings, dass ein herausragender Erzähler sie bewusst eingebaut hat.

Genau für diesen Zweck gibt es Dramaturgien, wie „Man in the hole“, Cinderella oder „Boy meets girl“ (s. Kurt Vonnegut). Die zugrundeliegenden Erlebnisse der Redner folgen doch nicht von Natur aus der jeweiligen Dramaturgie. Anstatt dessen werden die Ereignisse und ihre Kausalität dem Spannungsbogen dieser bewährten Geschichtsformate angepasst.

So! Jetzt ist es an Ihnen. Egal was ich hier schreibe. Am Ende ist es Ihre Entscheidung, ob Sie Ihre Erlebnisse neue inszenieren oder nicht. Genauso, wie es am Zuschauer liegt, ob er Ihre Rede/Geschichte gut findet oder nicht.

Den mutigen Leipziger Montagsdemonstranten gewidmet

Wie nutzen Sie die Bühne richtig, um Ihre Geschichte vor den Augen des Publikums zum Leben zu erwecken? Das lesen Sie in diesem Kurzbeitrag.

Eine Geschichte erzählen ist das Eine. Dabei den Redebereich (die Bühne) zu Ihrem Vorteil nutzen das Andere. Nutzen Sie beides und Sie  verdoppeln Ihre Wirkung!

Geschichten haben Schauplätze. Machen Sie sie auf der Bühne für das Publikum sichtbar. Oft reicht es, wenn Sie auf eine Stelle zeigen und diese Geste mit einer Ortsinformation verbinden. Zum Beispiel: „Früher war ich oft in Hamburg. Was für eine tolle Stadt! … Aber nur wenn Sie genug Geld haben.“ Der Redner hat jetzt den Ort eingeführt. Später kommt er in seiner Geschichte darauf zurück. „Nachdem mein Chef mich freundlich mit einer großen Abfindung auf die Straße gesetzt hatte, wollte ich nicht länger in Tübingen bleiben. Mit dem ganzen Geld … dachte ich sofort an … Sie ahnen es, Hamburg!“ Wieder die zeigende Geste. „Ach, warum nicht? Was habe ich schon zu verlieren, außer das Geld natürlich“ Jetzt geht er tatsächlich zu der Stelle. Für das Publikum ist er jetzt in Hamburg. Auf diese Weise unterstützen Sie die Vorstellungskraft Ihres Publikums und steigern Ihre eigene Wirkung.

Genauso wie bei einem Tanz kann eine Geschichte eine Choreographie haben. Die Geschichte wird auf diese Weise auf der Bühne lebendig.

Absolut ist gut

Nur auf einen Fehler können Sie dabei gerne verzichten: Orte auf der Bühne sind immer absolut und nicht relativ. Wenn Sie also auf eine Stelle zeigen, dann ist dort Hamburg. Sprechen Sie später wieder über die Stadt, dann muss es unbedingt der gleiche Punkt sein.

Manche Redner wechseln in der Zwischenzeit den Standort auf der Bühne und zeigen auf einen anderen Punkt, weil der sich relativ zum Redner gesehen dort befindet, wo vorher Hamburg für ihn war. Das verwirrt das Publikum. Schließlich bewegt sich Hamburg ja auch nicht, egal wo der Zuschauer sich gerade befindet.

Hindernisse umgehen

Physikalische Hindernisse sind ein weiterer Punkt, der entweder die Illusion stärkt oder zerstört. Wenn Sie gerade vorher noch am Krankenbett Ihres Vaters gestanden sind, wäre es fatal, wenn Sie im nächsten Moment mitten durch spazieren. Umrunden Sie es, dagegen, machen Sie damit Ihr imaginäres Bühnenbild im Kopfkino Ihres Publikums stärker.

Aus diesem Grund ist es gut, wenn Sie sich einen Bühnenplan erstellen. Dort zeichnen Sie Orte, wie Hamburg samt Hindernissen ein.

Faustregel für Faule

So sinnvoll es erst einmal klingt, sich einen Bühnenplan zu machen – nicht jeder Redner möchte sich diese Arbeit machen. In dem Fall gibt es zumindest eine Faustregel, die ich mir von Craig Valentine abgeschaut habe.

Sie können sich auf der Bühne auch bewegen, indem Sie Ihren Worten Taten folgen lassen. Mit anderen Worten, wenn Sie sagen „Also ging ich zu meinem Chef …“ Dann bewegen Sie sich von ihrem Ausgangspunkt zu einem beliebigen Ort auf der Bühne und spielen dort den Dialog vor. Vielleicht lässt Sie dieser Dialog mit Ihrem Chef ratlos zurück. Also kaufen Sie sich ein Buch über den Umgang mit Chefs. Während Sie das erzählen, brauchen Sie sich nicht über die Bühne zu bewegen. Denn Sie sprechen ja nur über den Kauf.

Anders wäre es, wenn Sie davon sprechen, dass Sie zur nächsten Buchhandlung gehen. „Die müssen doch ein Buch über den Umgang mit Chefs haben!“ Im letzteren Fall hat die Buchhandlung eine Funktion für Ihre Geschichte, also bewegen Sie sich auf der Bühne, um den Ort in Ihrer Rede einzuführen.

Egal ob Sie sich einen Bühnenplan machen oder der einfachen Bewegungs-Faustregel folgen. Lassen Sie Ihre Geschichte nicht zu kompliziert werden. Mehr Orte bedeuten nicht mehr Wirkung. Versuchen Sie Ihre Geschichte immer aus der Sicht des Publikums zu sehen.